Ibrahim se sentó con Format para compartir sus consejos para documentar sus obras de arte, y cómo puede crear la configuración óptima para documentar su trabajo en su casa o estudio con un presupuesto.
¿Puede presentarse y presentar su trabajo?
Me llamo Ibrahim Abusitta. Soy un artista afincado en Toronto.
Fui a la Universidad OCAD y me especialicé en fotografía, que es como obtuve mi formación fotográfica.
De alguna manera me tropecé con la documentación de obras de arte, desde artistas de mi círculo que me pedían que documentara su arte, hasta ser contratada por galerías y casas de subastas. Tenía las conexiones con el mundo del arte, así como formación fotográfica técnica, así es como he desarrollado mi práctica fotográfica.
¿Qué consejos tiene para ponerse en marcha y documentar su trabajo?
Algunas cosas que recomendaría, para la configuración antes de tomar imágenes sería asegurarse de que tiene la iluminación adecuada; eso podría ser una variedad de cosas en las que podemos entrar más tarde.
Asegúrese de que tiene una tarjeta blanca; eso siempre es útil. Una tarjeta blanca es literalmente una forma plana blanca, tal vez hecha de núcleo de espuma, que podría utilizar para rebotar la luz alrededor. La tarjeta blanca puede utilizarse para equilibrar las sombras y hacer que la luz sea más uniforme.
Conseguir un montaje de iluminación adecuado es una de las cosas más importantes que puede hacer para que la sesión de documentación tenga éxito y una tarjeta blanca es una herramienta barata y fácil.
¿Cuáles son algunos errores que observa cuando la gente documenta su trabajo?
Uno de los errores más comunes que veo cuando la gente documenta su trabajo es que utilizarán sin querer dos fuentes de luz muy diferentes. Por ejemplo; utilizarán tanto la luz de una ventana como la luz interior de la habitación. Una es cálida (la fuente de luz interior), la otra es fría (la ventana). Las distintas luces afectarán de forma diferente a los colores de la obra de arte, por lo que cuando vayan a editar la foto en postproducción, les resultará muy difícil equilibrar la iluminación.
Muchos creativos no tienen acceso al tipo de equipo que utilizan los profesionales para su trabajo. ¿Qué equipo esencial y asequible recomendaría para los que no somos fotógrafos?
Un equipo esencial que recomendaría a los fotógrafos no profesionales sería conseguir Photoshop o algún otro software de edición de imágenes. Muchos lo tendrán para otras partes de su práctica, pero si usted no lo tiene quizá quiera invertir. Poder hacer postproducción en las imágenes es esencial.
Otra cosa que le recomendaría, si es posible, es un trípode o algún tipo de trípode improvisado. Los hay para teléfonos móviles y para cámaras pequeñas. Incluso hay trípodes de sobremesa si quiere algo más asequible. En realidad, cualquier cosa para estabilizar su cámara. Lo que está haciendo con esto es reducir el movimiento de la cámara para obtener una imagen nítida.
Si dispone de más presupuesto, le recomendaría encarecidamente una carta de colores, que utilizaría para confirmar realmente el equilibrio del color. Las cartas de color son un extra, pero realmente ayudan a equilibrar el color de sus imágenes. Una carta de colores es esencialmente una tarjeta con colores primarios (amarillo, cian magenta) así como blanco y gris. Usted la fotografiaría en el entorno en el que está documentando su obra de arte. Más tarde, en postproducción, usted selecciona el color gris o el color blanco en esa carta de colores, y ésta detectará automáticamente la temperatura de la fuente de iluminación, y podrá equilibrar su pintura o escultura mucho más fácilmente.
¿Tiene algún otro consejo para la iluminación de la documentación?
Así que si un artista no tiene un equipo de iluminación profesional, hay algunas opciones que puede considerar para iluminar su obra. Una sería si tiene una ventana orientada al norte, por ahí suele entrar luz diurna que es lo suficientemente suave y queda bien sobre su obra de arte. Sin embargo, tiene que tener en cuenta la dirección de la luz; no suele iluminar uniformemente toda la obra de arte, que es donde entraría una tarjeta blanca para equilibrarla. Así que normalmente pondría su tarjeta blanca frente a la ventana y tendría su obra en medio de ella.
La segunda opción sería controlar la luz de su habitación y bloquear todo lo demás, tanto si tiene que ser de noche como si tiene que oscurecer las ventanas. Entonces iluminaría con luces/lámparas/iluminación interior en lugar de utilizar la luz del día.
Una tercera opción sería invertir en un par de lámparas en las que pudiera colocar exactamente la misma bombilla, es decir, tendría dos bombillas iguales para equilibrar el trabajo del lado izquierdo y del derecho.
Si utiliza un trípode, no se preocupará tanto por el brillo de la luz porque podrá tomar una exposición más larga.
¿Qué tipo de luces me recomienda? ¿Puede utilizar una lámpara normal?
Creo que podría utilizar una lámpara normal y salirse con la suya, especialmente si dispone de Photoshop o una herramienta de postprocesado similar.
Puede utilizar luces cálidas o puede utilizar luces frías. La clave es no mezclar las luces porque en la postproducción se corrige todo eso. La mayoría de los equipos profesionales disparan en el lado frío. Así que, si es posible, opte por luces frías.
¿Cómo se enfrenta a las sombras o a los reflejos cuando está documentando un trabajo?
Lo normal es que tenga que observar la obra de arte y evaluar por qué se produce el deslumbramiento y en qué ángulo deja de verlo. La clave está en compensar su posición con la cámara y la posición de la luz. A veces necesitará acercarse más o menos a la obra hasta que deje de ver el resplandor desde el ángulo de la cámara.
Luego, en la postproducción, puede equilibrar las cosas haciendo un keystoning de la obra para que parezca que está justo delante de ella.
¿Puede explicar qué es keystone?
Keystoning es ajustar el ángulo y la inclinación de la obra en postproducción. Imagine que mira un rectángulo de frente. Ahora imagine que necesita que se incline hacia atrás o hacia delante. Esto es algo que normalmente tiene que hacer cuando proyecta una imagen desde un proyector a una pared y necesita que las cosas cuadren. Así que el keystoning es más o menos cambiar la perspectiva de las esquinas de un rectángulo o cuadrado acercándose o alejándose del espectador hasta que vuelvan a formar ángulos de 90º.
¿Qué consejos tiene para el enfoque o la nitidez? ¿Cómo evita las imágenes borrosas?
La clave para evitar una imagen borrosa sería utilizar un trípode. O un trípode improvisado y ajustar su cámara a una cuenta atrás de dos o diez segundos para que, una vez que haya pulsado el disparador, cualquier temblor que se esté produciendo desaparezca en el momento en que llegue el temporizador de diez segundos.
Una vez realizada la toma, acerque el zoom y confirme que la imagen es nítida.
Ha mencionado los trípodes improvisados, ¿cuáles son algunos ejemplos de trípodes improvisados?
Así que he tenido que hacer todo tipo de trípodes improvisados en diferentes escenarios. Puede utilizar cualquier cosa robusta y plana: un tablero de mesa, una pila de libros, realmente cualquier cosa que pueda sostener su teléfono o o cámara en su sitio. A veces es tan fácil como tener el tablero de la mesa y lo que necesite para subir o bajar la cámara.
El hecho de que no la sostenga con la mano significa que tendrá menos posibilidades de obtener una imagen borrosa.
¿Cómo capta la textura de la superficie de una obra?
Mi recomendación para captar la textura de la superficie de una obra sería que su fuente de luz procediera de la parte superior de la obra, proyectando así una sombra bajo la textura. Esto es algo a lo que estamos acostumbrados cuando recibimos la obra en el entorno de una galería, por lo que nos parece "correcto". Allí, la fuente de luz siempre procede de arriba.
¿Qué recomienda para la composición de las fotos?
Para la composición de las fotos le diría que tenga en cuenta que sólo estamos documentando la obra, y que no se trata de una toma artística. Por tanto, su composición debe maximizar el tamaño de la obra dentro del encuadre. Cuanto más grande sea su imagen, más detalles captará. Céntrela y llene el encuadre todo lo que pueda.
¿Y si está documentando algo como una exposición o una obra de arte en un entorno concreto? ¿Tiene consejos para documentar in situ?
Mi recomendación para componer una toma de una instalación de exposición es intentar no salir demasiado ancho con el objetivo y centrar la imagen en el encuadre en el eje vertical.
También debe considerar como toma el punto de vista del visitante de la galería. Así que nada de ángulos bajos, nada de ángulos altos, y tenga variedad. Apueste por el detalle, amplíe, ofrezca al espectador la experiencia del espacio.
¿Tiene consejos para fotografiar obras tridimensionales?
Mi mayor consejo para fotografiar arte tridimensional sería colocar una cala, que es un telón de fondo curvado que le permite fotografiar su obra de arte sin ver una línea de horizonte. Una cala es esencialmente sólo un trozo de papel sin costura que usted coloca en un ángulo curvo desde la pared o el soporte. Puede ir a su tienda local de suministros artísticos o a una tienda de alquiler de material fotográfico y conseguir un rollo de papel blanco ancho.
Si no puede instalar una cala en casa, otra opción es disponer de una superficie amplia y evitar el borde del papel. La clave aquí es fotografiar la escultura sin que se vea una línea de horizonte. Las líneas de horizonte (como donde el suelo se encuentra con la pared) pueden distraer mucho de una pieza en 3D porque entonces tiene estas líneas cortando visualmente la obra. Eliminar la línea del horizonte le permite ver la escultura por sí misma.
La otra recomendación es colocar un trípode manteniendo la cámara en el mismo lugar y girar su obra al menos cuatro veces para ofrecer al espectador una visión completa de tres sesenta de su obra. Al mantener la cámara en su sitio, es su obra la que se mueve, no el espectador.
¿Qué consejos tiene para la edición y el retoque? ¿Qué programas o herramientas principales utiliza?
Mi consejo para la edición y el retoque sería que viera muchos tutoriales [en youtube] específicamente sobre las cosas que necesita aprender para esta tarea específica; la mayor de ellas es "cómo hacer la corrección del color".
La otra herramienta que se utiliza a menudo para la documentación es la herramienta de transformación, con la que puede distorsionar la perspectiva o deformar los bordes. Esto le permite hacer que su trabajo en 2D vuelva a parecer cuadrado. Puede ser realmente difícil evitar la distorsión en sus fotos, así que esta herramienta le permite corregirlo.
Y el programa que siempre utilizo sería Adobe Photoshop. Si puede conseguir ese software es muy útil. Existen otras variaciones de este programa, pero photoshop es un estándar de la industria.
¿Tiene algún consejo específico cuando utiliza el móvil para fotografiar el trabajo?
Tengo un consejo muy importante para fotografiar con teléfonos móviles, y es que hay que limpiar el objetivo. Manejamos nuestros teléfonos todo el día en las manos, por lo que nuestros dedos están en el objetivo constantemente. Así que lo primero que debe hacer es limpiar bien el objetivo.
El otro consejo es que aproveche el temporizador y el bloqueo del enfoque, que puede hacer manteniendo pulsada la pantalla, para que la cámara no cambie el enfoque cada vez que vea algo nuevo delante del objetivo.
¿Algún otro consejo para la documentación?
Hay un montón de automatización que puede ocurrir entre los ajustes de la cámara, los ajustes de Photoshop, y así para alguien que no tiene las habilidades y todavía está aprendiendo, tomar ventaja de algunos de los ajustes automáticos. Lo mismo ocurre con la corrección de color. Si usted no pudo conseguir una tarjeta de color, puede utilizar un balance de blancos automático y nueve de cada diez veces, se ve bastante muerto en. Si alguna vez siente que está apagado, hay ajustes manuales que puede hacer, pero al menos el automático le acerca al mejor resultado.
Si no tiene dinero para una tarjeta de color también existe algo llamado tarjeta gris, y es simplemente un color gris, y eso es lo que utilizará su software. Tener una tarjeta gris o una tarjeta de color realmente acelerará su postproducción y hará que su balance de color sea más fácil y preciso.
Sobre todo, intente hacer la posproducción en el espacio con su trabajo o poco después del rodaje, cuando la experiencia del trabajo esté fresca. Tener la obra a mano para asegurarse de que el equilibrio de color es lo más parecido posible es una gran ventaja.
¿Tiene algún consejo para los fotógrafos profesionales que podrían iniciarse en la documentación?
Mi gran consejo para los fotógrafos que quieren documentar el trabajo es que el mejor método de iluminación es disparar sus estroboscopios hacia un techo y hacer que reboten hacia abajo sobre su trabajo. Esto permite que la luz se suavice y no sea demasiado dura.
También recomendaría a cualquier fotógrafo que utilizara un software de captura llamado Capture One. De esta forma puede disparar desde la cámara directamente a su portátil de una forma que llaman "tethered". Esto es más fácil que disparar en su cámara y mirar la parte posterior de la pantalla, porque el monitor de su cámara digital suele ser de menor calidad que lo que realmente va a obtener cuando lo mire en su portátil. Así que con este método puede ir directamente a esa fuente de imagen final y saber si su imagen se ve bien o no.
Disfrute del trabajo de Ibrahim Abusitta a través de su sitio web de carteras en líneacreado con Formatdonde también puede ponerse en contacto con él para documentar su trabajo. Sígale en Instagram para ver sus trabajos más recientes y la cobertura de los acontecimientos.
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