Ibrahim s'est assis avec Format pour partager ses conseils sur la documentation de vos œuvres d'art et sur la façon dont vous pouvez créer une installation optimale pour documenter votre travail à la maison ou dans votre studio, tout en respectant votre budget.
Pouvez-vous vous présenter et présenter votre travail ?
Je m'appelle Ibrahim Abusitta. Je suis un artiste basé à Toronto.
J'ai étudié à l'université OCAD et je me suis spécialisé dans la photographie, ce qui m'a permis d'acquérir une expérience dans ce domaine.
C'est en quelque sorte par hasard que j'ai commencé à documenter des œuvres d'art, des artistes de mon entourage me demandant de documenter leurs œuvres, jusqu'à ce que je sois engagée par des galeries et des maisons de vente aux enchères. J'avais des contacts avec le monde de l'art ainsi qu'une formation technique en photographie, et c'est ainsi que j'ai développé ma pratique de la photographie.
Quels sont vos conseils pour documenter votre travail ?
Avant de prendre des photos, je recommanderais de s'assurer que l'éclairage est adéquat, ce qui peut être fait plus tard.
S'assurer d'avoir une carte blanche, c'est toujours utile. Une carte blanche est littéralement une forme blanche plate, peut-être en mousse, que vous pouvez utiliser pour faire rebondir la lumière. La carte blanche peut être utilisée pour équilibrer les ombres et rendre la lumière plus homogène.
La mise en place d'un éclairage approprié est l'une des choses les plus importantes que vous puissiez faire pour réussir une prise de vue documentaire.
Quelles sont les erreurs que vous constatez lorsque les gens documentent leur travail ?
L'une des erreurs les plus courantes que je constate lorsque les gens documentent leur travail est qu'ils utilisent involontairement deux sources de lumière très différentes. Par exemple, ils utilisent la lumière d'une fenêtre ainsi que la lumière de la pièce. L'une est chaude (source de lumière intérieure), l'autre est froide (la fenêtre). Les différentes lumières affecteront différemment les couleurs de l'œuvre d'art, de sorte que lorsqu'ils éditeront la photo en post-production, ils auront beaucoup de mal à équilibrer l'éclairage.
De nombreux créatifs n'ont pas accès au type de matériel que les professionnels utilisent pour leur travail. Quels sont les équipements essentiels et abordables que vous recommanderiez à ceux d'entre nous qui ne sont pas photographes ?
Je recommanderais aux photographes non professionnels de s'équiper de Photoshop ou d'un autre logiciel de retouche d'images. Nombreux sont ceux qui disposent de ce logiciel pour d'autres aspects de leur pratique, mais si ce n'est pas le cas, il serait bon d'investir. Il est essentiel de pouvoir faire de la post-production sur les images.
Une autre chose que je recommanderais, si possible, est un trépied ou une sorte de trépied de fortune. Il en existe pour les téléphones portables et pour les petits appareils photo. Il existe même des trépieds de table si vous voulez quelque chose de plus abordable. Vraiment, n'importe quoi pour stabiliser votre appareil photo. Il s'agit de réduire les mouvements de l'appareil pour obtenir une image nette.
Si vous disposez d'un budget plus important, je vous recommande vivement d'utiliser une carte de couleurs pour confirmer l'équilibre des couleurs. Les cartes de couleurs sont un bonus, mais elles aident vraiment à équilibrer les couleurs de vos images. Une carte de couleurs est essentiellement une carte contenant des couleurs primaires (jaune, cyan, magenta) ainsi que du blanc et du gris. Vous la photographiez dans l'environnement où vous documentez votre œuvre d'art. Plus tard, en post-production, vous sélectionnez la couleur grise ou la couleur blanche de cette carte de couleurs, et elle détectera automatiquement la température de la source d'éclairage, ce qui vous permettra d'équilibrer votre peinture ou votre sculpture beaucoup plus facilement.
Avez-vous d'autres conseils pour l'éclairage de la documentation ?
Si un artiste ne dispose pas d'un kit d'éclairage professionnel, il peut envisager quelques options pour éclairer son travail. L'une d'entre elles consiste à disposer d'une fenêtre orientée vers le nord, par laquelle passe généralement la lumière du jour, qui est assez douce et donne une bonne impression sur votre œuvre. Cependant, il faut tenir compte de la direction de la lumière, qui n'est généralement pas uniforme sur l'ensemble de l'œuvre d'art, d'où l'utilité d'un carton blanc pour l'équilibrer. C'est pourquoi vous placerez généralement votre carte blanche face à la fenêtre et votre œuvre d'art entre les deux.
La deuxième option consisterait à contrôler la lumière dans votre pièce et à bloquer tout le reste, que ce soit la nuit ou que vous deviez occulter vos fenêtres. Vous éclaireriez alors à l'aide de lampes ou d'éclairages d'intérieur au lieu d'utiliser la lumière du jour.
Une troisième option consisterait à investir dans deux lampes dans lesquelles vous pourriez insérer exactement la même ampoule, c'est-à-dire que vous auriez deux ampoules identiques pour équilibrer le travail du côté gauche et du côté droit.
Si vous utilisez un trépied, vous ne vous soucierez pas autant de l'intensité de la lumière car vous pourrez prendre une exposition plus longue.
Quel type d'éclairage recommandez-vous ? Peut-on utiliser une lampe normale ?
Je pense que vous pouvez utiliser une lampe normale et vous en sortir, surtout si vous disposez de Photoshop ou d'un outil de post-traitement similaire.
Vous pouvez utiliser des lumières chaudes ou des lumières froides. L'essentiel est de ne pas mélanger les lumières, car en post-production, vous corrigez tout cela. La plupart des équipements professionnels utilisent des lumières froides. Donc, si c'est possible, optez pour des ampoules froides.
Comment gérez-vous les ombres ou les reflets lorsque vous documentez votre travail ?
En règle générale, vous devez examiner l'œuvre d'art et évaluer la raison de l'éblouissement et l'angle auquel vous cessez de voir l'éblouissement. L'essentiel est de compenser votre position par rapport à l'appareil photo et la position de la lumière. Il faut parfois s'approcher plus ou moins de l'œuvre jusqu'à ce que l'on ne voie plus l'éblouissement sous l'angle de la caméra.
Ensuite, en post-production, vous pouvez équilibrer les choses en effectuant un keystoning pour donner l'impression que vous êtes juste devant l'œuvre.
Pouvez-vous expliquer ce qu'est la clé de voûte ?
Le keystoning consiste à ajuster l'angle et la hauteur du travail en post-production. Imaginez que vous regardez un rectangle de face. Imaginez maintenant qu'il faille l'incliner vers l'arrière ou vers l'avant. C'est ce que vous devez généralement faire lorsque vous projetez une image d'un projecteur sur un mur et que vous avez besoin que les choses soient à l'équerre. Le keystoning consiste donc à déplacer la perspective des coins d'un rectangle ou d'un carré en direction ou à l'opposé de l'observateur, jusqu'à ce qu'ils forment à nouveau un angle de 90°.
Quels sont vos conseils en matière de mise au point ou de netteté ? Comment éviter les images floues ?
La clé pour éviter une image floue est d'utiliser un trépied, ou un trépied de fortune, et de régler votre appareil photo sur un compte à rebours de deux ou dix secondes. Ou un trépied de fortune et de régler votre appareil photo sur un compte à rebours de deux ou dix secondes, de sorte qu'une fois que vous avez appuyé sur le déclencheur, les secousses qui se produisent s'atténuent au moment où le compte à rebours de dix secondes est atteint.
Une fois la photo prise, zoomez et vérifiez la netteté de l'image.
Vous avez parlé de trépieds de fortune, quels sont les exemples de trépieds de fortune ?
J'ai donc dû fabriquer toutes sortes de trépieds de fortune dans différents scénarios. Vous pouvez utiliser tout ce qui est solide et plat : une table, une pile de livres, tout ce qui peut tenir votre téléphone ou votre appareil photo en place. Parfois, il suffit d'avoir la table et ce qu'il faut pour soulever ou abaisser l'appareil photo.
Le fait de ne pas tenir l'appareil à la main réduit les risques d'images floues.
Comment saisissez-vous la texture de la surface d'une œuvre ?
Pour capturer la texture de la surface d'une œuvre, je recommande que la source de lumière vienne du dessus de l'œuvre, projetant ainsi une ombre sous la texture. Nous sommes habitués à cela lorsque nous recevons l'œuvre dans une galerie, et cela nous semble donc "correct". La source de lumière vient toujours d'en haut.
Que recommandez-vous pour la composition des photos ?
Pour la composition des photos, je dirais qu'il faut garder à l'esprit que nous ne faisons que documenter le travail et qu'il ne s'agit pas d'une prise de vue artistique. Votre composition doit donc maximiser la taille de l'œuvre d'art dans le cadre. Plus votre image est grande, plus vous pourrez capturer de détails. Il suffit de la centrer et de remplir le cadre autant que possible.
Qu'en est-il si vous documentez quelque chose comme une exposition ou une œuvre d'art dans un cadre particulier ? Avez-vous des conseils pour documenter in situ ?
Pour composer une photo d'une installation d'exposition, je recommande de ne pas utiliser un objectif trop large et de centrer l'image dans le cadre sur l'axe vertical.
Vous devez également envisager d'adopter le point de vue du visiteur de la galerie pour votre prise de vue. Donc, pas d'angles bas, pas d'angles hauts, et de la variété. Privilégiez les détails, élargissez les angles, donnez au spectateur l'expérience de l'espace.
Avez-vous des conseils pour photographier des œuvres tridimensionnelles ?
Mon principal conseil pour photographier des œuvres d'art tridimensionnelles est d'installer une corniche, c'est-à-dire une toile de fond incurvée qui vous permet de photographier votre œuvre d'art sans voir de ligne d'horizon. Une corniche est essentiellement un morceau de papier sans couture que vous placez à un angle incurvé par rapport au mur ou au support. Vous pouvez vous rendre dans un magasin de fournitures artistiques ou dans un magasin de location de matériel photo et vous procurer un rouleau de papier blanc large.
S'il n'est pas possible d'installer une corniche chez soi, une autre solution consiste à disposer d'une surface large et à éviter le bord du papier. L'essentiel est de photographier la sculpture sans voir de ligne d'horizon. Les lignes d'horizon (comme l'endroit où le sol rencontre le mur) peuvent être très gênantes pour une œuvre en 3D, car ces lignes coupent visuellement l'œuvre. L'élimination de la ligne d'horizon vous permet de voir la sculpture telle qu'elle est.
L'autre recommandation est d'installer un trépied, de maintenir l'appareil photo au même endroit et de faire pivoter l'œuvre au moins quatre fois pour donner au spectateur une vue complète de trois soixante degrés de l'œuvre. En gardant l'appareil photo en place, c'est votre œuvre qui bouge, pas le spectateur.
Quels sont vos conseils en matière d'édition et de retouche ? Quels sont les meilleurs programmes ou outils que vous utilisez ?
Mon conseil pour l'édition et la retouche serait de regarder beaucoup de tutoriels [sur YouTube] spécifiquement sur les choses que vous devez apprendre pour cette tâche spécifique ; le plus important étant "comment faire la correction des couleurs".
L'autre outil souvent utilisé pour la documentation est l'outil de transformation, qui permet de déformer la perspective ou de gauchir les bords. Vous pouvez ainsi redonner un aspect carré à votre travail en 2D. Il peut être très difficile d'éviter les distorsions dans vos photos, c'est pourquoi cet outil vous permet de les corriger.
Le programme que j'utilise toujours est le suivant Adobe Photoshop. Si vous pouvez vous procurer ce logiciel, il vous sera très utile. Il existe d'autres variantes de ce programme, mais Photoshop est un standard de l'industrie.
Avez-vous des conseils particuliers à donner lorsque vous utilisez votre téléphone portable pour réaliser des prises de vue ?
J'ai un conseil très important pour la prise de vue avec des téléphones portables, c'est qu'il faut essuyer l'objectif. Nous tenons nos téléphones toute la journée dans nos mains et nos doigts sont donc constamment sur l'objectif. La première chose à faire est donc de bien essuyer l'objectif.
L'autre conseil est d'utiliser le retardateur et le verrouillage de la mise au point, que vous pouvez faire en appuyant sur l'écran et en le maintenant enfoncé, afin que l'appareil photo ne change pas de mise au point chaque fois qu'il voit quelque chose de nouveau devant l'objectif.
D'autres conseils pour la documentation ?
Il y a beaucoup d'automatisation possible entre les réglages de l'appareil photo et ceux de Photoshop, et donc pour quelqu'un qui n'a pas les compétences nécessaires et qui est encore en train d'apprendre, il faut profiter de certains des réglages automatiques. Il en va de même pour la correction des couleurs. Si vous n'avez pas pu obtenir de carte de couleurs, vous pouvez utiliser une balance des blancs automatique et, neuf fois sur dix, le résultat est tout à fait satisfaisant. Si vous avez l'impression qu'elle n'est pas correcte, vous pouvez procéder à des ajustements manuels, mais au moins, la balance automatique vous permet de vous rapprocher du meilleur résultat possible.
Si vous n'avez pas les moyens d'acheter une carte couleur, il existe aussi ce que l'on appelle une carte grise, qui est simplement une couleur grise, et c'est ce que votre logiciel utilisera. Le fait de disposer d'une carte grise ou d'une carte couleur accélérera vraiment votre post-production et rendra votre balance des couleurs plus facile et plus précise.
Surtout, essayez de faire la post-production soit dans l'espace où se trouve votre travail, soit peu après la prise de vue, lorsque l'expérience du travail est fraîche. Avoir l'œuvre sous la main pour s'assurer que l'équilibre des couleurs est aussi proche que possible est un énorme avantage.
Avez-vous des conseils à donner aux photographes professionnels qui se lancent dans la documentation ?
Mon principal conseil aux photographes qui souhaitent documenter leur travail est que la meilleure méthode d'éclairage consiste à diriger les flashs vers le plafond et à les faire rebondir sur le travail. Cela permet à la lumière de s'adoucir et de ne pas être trop dure.
Je recommanderais également à tout photographe d'utiliser un logiciel de capture appelé Capture One. De cette manière, vous pouvez filmer de l'appareil photo directement sur votre ordinateur portable d'une manière que l'on appelle "tethered". C'est plus facile que de filmer sur votre appareil photo et de regarder l'arrière de l'écran, car l'écran de votre appareil photo numérique est généralement de moins bonne qualité que ce que vous obtiendrez réellement lorsque vous le regarderez sur votre ordinateur portable. Avec cette méthode, vous pouvez donc aller directement à la source de l'image finale et savoir si votre image est bonne ou non.
Découvrez le travail d'Ibrahim Abusitta sur son site web. site web de portfolio en ligne, créé avec FormatVous pouvez également le contacter pour documenter votre travail. Suivez-le sur Instagram pour découvrir ses travaux les plus récents et sa couverture des événements.
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