Natalie King, artiste autochtone multidisciplinaire Queer 2S, parle de représentation et de communauté dans le monde de l'art

Pouvez-vous vous présenter et présenter votre travail ? 

Aaniin, je m'appelle Natalie King. Je suis née à Newmarket, en Ontario, et ma famille est originaire de la Timiskaming First Nation, du côté de mon père. Je fais partie du clan de l'Ours. Je vis et travaille actuellement à Toronto, où je suis installée depuis environ neuf ans. Je travaille de manière indépendante en tant qu'artiste professionnelle tout en collaborant avec Centre culturel Xpace en tant que coordinateur de la programmation.

Je suis Algonquin Anishinaabeg. Dans mon travail, je réfléchis donc beaucoup aux histoires des étoiles, au passé, au présent et à l'avenir. Ma pratique interdisciplinaire comprend la vidéo, la peinture, la sculpture et l'installation, ainsi que l'engagement communautaire, la conservation et l'administration des arts. 

Comment avez-vous débuté dans l'art et qu'est-ce qui vous a conduit sur cette voie ? 

Dès l'enfance, j'ai été très attirée par les arts, très, très jeune. C'est en fabriquant quelque chose ou en créant que je me sentais le plus heureux et le plus joyeux. Heureusement, mes deux parents m'ont encouragée à faire de l'art. Mes parents avaient beaucoup de respect pour les artistes et ils voulaient vraiment que cela devienne une habitude pour moi quand j'étais jeune.

Je détestais l'école. Mais je me suis toujours sentie à l'aise dans les cours d'art. Et en tant que personne marginalisée, je pense qu'il est très important pour nous d'avoir des espaces où nous nous sentons vus. Pour moi, ces espaces artistiques ont toujours été ceux où je me sentais la plus créative et la plus heureuse. Et dès que j'ai commencé à travailler de manière plus sérieuse, j'ai trouvé ce flux créatif - lorsque vous vous perdez dans votre travail ou que vous entrez dans cette sorte d'état de flux. Pour moi, c'est quelque chose qui a vraiment aidé ma santé mentale. Mon parcours est donc lié au fait que j'ai eu des parents qui m'ont soutenue, que j'ai aimé suivre des cours d'art, que j'ai aimé faire de l'art et que j'ai été attirée par cet état de fluidité qui consiste à rêver et à créer.

Cette fluidité se retrouve dans votre travail. Il y a beaucoup de mouvement dans les scènes et les corps. 

Oui, il y a beaucoup de corps qui flottent dans l'espace. Dans ma culture d'Algonquin Anishinaabeg, une grande partie de nos décisions sont prises à partir de nos rêves. Les rêves jouent donc un rôle très important dans mon travail, tout comme les histoires de stars. Ce que j'essaie de faire, c'est de contextualiser cela, de le montrer.

Le point de vue occidental [sur les rêves] veut que nous découvrions quelque chose d'extérieur à notre expérience. Mais dans la cosmologie indigène, les rêves ne sont pas considérés comme quelque chose de différent. Les rêves font partie de nous. Ils sont considérés comme un message de vos ancêtres. Ils vous relient donc à votre lignée. Je pense qu'en Occident, et plus précisément dans la société coloniale, les rêves ne sont pas perçus de la même manière ou ne bénéficient pas du même respect ou de la même valeur. 

Enfant, j'ai toujours rêvé de faire de l'art. Je pense aussi que c'était peut-être une façon pour moi de m'apaiser, parce que j'ai beaucoup lutté contre l'anxiété et d'autres choses quand j'étais enfant. Je pense que c'était aussi un message pour moi : "Tu devrais faire ça, ça fait partie de ta guérison". 

Où êtes-vous allé à l'école ? Quel a été l'impact de votre formation sur votre travail artistique ? 

J'ai commencé l'école à Collège Georgien à Barrie, en Ontario. Il y avait un programme artistique là-bas, qui était vraiment, vraiment cool parce qu'il vous permettait d'acquérir de l'expérience dans toutes sortes de médiums. J'ai eu l'occasion d'apprendre à souder, à faire de la sculpture, de la gravure, de la peinture et du dessin. L'accent était mis sur l'expérimentation de toutes sortes de supports et c'était très pratique, ce que j'ai vraiment, vraiment adoré.

Ensuite, j'ai commencé à Université OCAD (Ontario College of Art & Design) en 2015. J'étais dans le programme de dessin et de peinture et j'ai obtenu mon diplôme en 2018. Ma carrière a connu de nombreux points de départ, mais je dirais que je ne serais pas arrivée là où je suis aujourd'hui sans les personnes que j'ai rencontrées à l'OCADU. Lorsque j'ai commencé à l'OCADU, j'étais très jeune, je venais d'emménager en ville. Je ne connaissais personne. OCADU m'a permis d'établir de nombreux liens avec la communauté artistique de Toronto. C'était agréable d'être entourée de personnes qui étaient également homosexuelles et qui travaillaient dans des domaines qui me semblaient vraiment passionnants à l'époque.

L'année où j'ai passé ma thèse [à l'OCADU], j'ai perdu mon frère. J'ai réalisé pour la première fois une peinture figurative, ce qui était différent de ce sur quoi je travaillais à l'époque. C'était la première fois que je faisais une grande peinture qui travaillait spécifiquement sur des conversations ou des récits autour de personnages. Il s'agissait de figures personnifiées de ma sœur, de mon frère et de moi-même dans cette sorte de jardin, dans la terre. C'est l'une des premières fois où je me suis dit : "Attendez une minute, je sens quelque chose, quelque chose de fort qui m'attire dans cette direction". Ce n'est qu'après cette pièce que je me suis dit : "Oh, maintenant je raconte une histoire, de mon point de vue, que personne d'autre ne peut raconter." C'est à partir de là que j'ai commencé à développer mon style de figures. 

Pouvez-vous nous parler de l'impact que les mentors autochtones ont eu sur votre pratique ?

J'ai participé à un atelier avec Festival du film queer de Torontoet c'est à ce moment-là que j'ai commencé à travailler avec la vidéo. Et j'ai eu l'occasion de travailler avec TJ Cuthand. C'est un artiste trans indigène extraordinaire qui travaille depuis les années 90 et au-delà. Il m'a appris à me servir d'une caméra et à utiliser le montage, et m'a montré le travail de tant d'autres artistes autochtones queer que je ne connaissais pas du tout.

Avant cela, j'ai grandi dans une très petite ville. J'ai grandi dans un endroit appelé River Drive Park. Je dis Newmarket, parce que c'est là que je suis né. Mais en fait, j'ai grandi dans un endroit où il y avait trois rues et un tas de champs de maïs. J'avais ma famille, qui était indigène. La famille de mon père est très nombreuse. Il a 20 frères et sœurs et ils ont des enfants. Alors, même si j'avais cette grande communauté familiale, je ne trouvais pas d'autres personnes homosexuelles dans mon orbite à l'époque. Ce n'est que lorsque j'ai déménagé à Toronto que j'ai commencé à établir ces liens et à rencontrer ces personnes.

Mais même au sein d'une communauté comme Toronto, il peut être difficile d'avoir ce sens de la communauté. Ce n'est qu'aujourd'hui, en 2023, que la ville accueille son second two spirit powwow. Après la première édition, j'ai parlé à beaucoup de personnes homosexuelles - d'autres artistes autochtones homosexuels - et ils m'ont dit "wow, c'était l'une des premières fois que je voyais autant d'autochtones homosexuels au même endroit". J'ai l'impression que c'est une chose qui m'a longtemps manqué. Et maintenant que je suis un peu plus âgée, j'ai eu le temps d'établir ces liens. 

En regardant votre travail, on y trouve des images cohérentes de corps de couleur et de corps queer/féminins associés à des éléments magiques ou fantastiques. Pouvez-vous nous parler de ces images et de leur importance dans votre travail ?

Je veux que mon travail soit aussi ouvert et accessible que possible. J'aime l'idée de choses qui brillent, étincellent ou éclatent. J'aime l'idée de désarmer les spectateurs. Je pense que je me concentre sur la joie queer, la joie indigène. Mais je veux aussi que les gens réfléchissent au projet du colonialisme. Je veux que les gens réfléchissent à tout ce qu'il faut faire pour réaliser ces images et qu'ils puisent dans cette joie alors que tant de choses sont destinées à nous détruire. J'ai commencé à travailler sur le fait que je considère les personnes LGBTQ+ comme des leaders et je voulais vraiment souligner que nous méritons le respect, la souveraineté et le pouvoir sur nos propres corps. 

J'ai commencé à réfléchir à la manière dont nous transformons non seulement les pensées sur le genre et la famille, mais aussi la manière dont nous sommes perspicaces et dont nous avons beaucoup à dire sur la manière dont le monde fonctionne. Je voulais que ce soit un point fort ou un élément à retenir. 

Pour moi, une grande partie de l'idée est que ces corps [dans mes peintures] sont pleins, ils sont pris en charge, ils prennent soin les uns des autres, ils existent ensemble en harmonie. En tant que corps queer - corps indigènes queer - ils ont la pleine souveraineté sur eux-mêmes. Ils choisissent leurs structures familiales et ont des vies riches et fructueuses. Pour moi, c'est donc - peut-être que nous n'avons pas cela maintenant, mais c'est une spéculation sur ce à quoi cela ressemblerait si c'était le cas. 

Mes œuvres sont un mélange de fantaisie et de réalité. Qu'est-ce que cela signifie que toutes nos intersections soient prises en compte et respectées ? Ces corps sont censés représenter cela. Je ne dirais pas qu'ils sont particulièrement masculins ou féminins, bien que beaucoup d'entre eux soient codés féminins. Je dirais qu'ils représentent une féminité queer, qui existe souvent en dehors des rôles traditionnels des hommes et des femmes. Ces personnes existent donc dans un monde où ces façons anticoloniales, de niche, de maintenir un espace pour les personnes bispirituelles et queer, qui étaient si importantes avant le projet de colonisation, ont maintenant cet espace pour s'épanouir dans ces futurs spéculatifs. 

Je me demande à quoi cela ressemblerait pour moi, en tant qu'autochtone queer, de voir ces images lorsque j'étais enfant. À quoi aurait ressemblé cette expérience si je les avais vues à ce moment-là ? C'est pour cette raison que j'estime que ce projet a des conséquences. C'est pour cette raison qu'elles me semblent importantes ou urgentes. Je pense aussi aux petites filles indigènes et à la façon dont elles voient mon travail. Et je pense que beaucoup d'enfants sont également très attirés par mon travail, ce qui est également passionnant. 

D'abord et avant tout, mon travail doit être agréable à réaliser. En effet, si je n'apprécie pas le processus, j'ai l'impression que cela enlève de la joie au travail. Dans ma pratique, j'essaie de me concentrer sur la joie. Oui, il y a des traumatismes, et il y a tant de choses qui rendent notre existence si difficile, mais j'essaie aussi de réfléchir à ce qu'est la liberté. C'est donc une extension de ces pensées, de ces sentiments et de ces idées vers la liberté.

Comment l'utilisation de Format a-t-elle influencé votre pratique ?

J'ai commencé à utiliser Format lorsque j'étais étudiant et parce que je n'étais pas très familier avec le codage. Pour moi, c'était un moyen super facile, pratique et intuitif de faire ce que je voulais faire avec ma pratique artistique. Je l'utilise depuis et j'ai pu créer une boutique. Tout est très facile. J'ai pu peaufiner mon site web au fil du temps et construire une marque ou quelque chose comme ça. Oui, j'adore. J'adore. C'est génial.

Quels conseils donneriez-vous aux artistes en herbe ou émergents ? 

Prenez soin de vous. Le plus important, c'est votre santé et votre bien-être mental. En ce qui concerne ma pratique artistique, la clé pour moi est la patience et l'empathie envers moi-même. Il faut se concentrer sur les objectifs, sur ses objectifs, mais ne pas être dur avec soi-même lorsque des échecs surviennent, parce qu'ils surviennent presque toujours. Pour moi, il s'agissait de trouver la joie. 

Qu'est-ce qui vous attend ? 

Poursuivre le travail que je fais à Xpace, développer les compétences existantes et soutenir les artistes émergents. Je crée également mes propres œuvres, je me développe et je continue à apprendre dans mon studio. J'ai quelques expositions collectives et individuelles passionnantes et des opportunités de résidence à l'avenir. J'espère pouvoir continuer à favoriser la communauté, la connexion, le mentorat et le soutien tout en développant ma pratique artistique. J'ai quelques projets passionnants à venir cette année. 

L'année prochaine, j'effectuerai une résidence de conservation dans le cadre du projet Galerie TPW. Je travaillerai avec d'autres artistes queer bispirituels, trans et indigènes pour créer une ressource qui sera utilisée par les jeunes indigènes queer et qui sera partagée en janvier 2024. Je vais également organiser une exposition au centre culturel Xpacequi ouvrira ses portes le 26 mai 2023. Et puis j'ai quelques expositions collectives et individuelles à venir à la fin de l'année et l'année prochaine. Donc, oui, beaucoup de choses passionnantes et, je l'espère, la création de ces liens. Je pense qu'établir des liens significatifs avec d'autres personnes partageant les mêmes idées et avec d'autres personnes est toujours la partie la plus amusante pour moi.

Quels sont les spectacles à venir ? 

J'ai un spectacle qui se déroule au Galerie Robert McLaughlin en novembre 2023. Ensuite, j'ai une exposition à la galerie Onsite en janvier 2024. Je réaliserai une grande fresque murale pour le bâtiment des arts et des sciences de l'université d'Amsterdam. Université McMaster qui implique la participation d'étudiants indigènes à l'université. J'ai également d'autres projets intéressants à venir que je ne peux pas encore annoncer, mais je suis toujours enthousiaste pour l'avenir et ce qu'il y a à venir ! 

Découvrez et achetez les œuvres de Natalie King via son site web site web de portfolio en ligne, créé avec Formatet suivez-la sur Instagram pour être tenu au courant de ses prochains événements.